Un tourne-disque, une pile de vinyles et tout autant d’histoires à raconter. Cinquième volet du projet HOSPITALITÉ-HOSPITALITY de PME-ART, Le DJ qui donnait trop d’information explore de quelle façon la musique infiltre notre vie, notre conception de l’amour et notre vision du monde. Jusqu’à maintenant, le collectif formé de Caroline Dubois, Claudia Fancello et Jacob Wren a donné vingt-et-une performances d’HOSPITALITÉ 5 - ici et à l’étranger - dans des théâtres, des halls d’hôtel, des magasins de disques, etc., mais jamais dans son intégralité. Cette fois, la performance ne s’arrêtera que lorsqu’il n’y aura plus de vinyle ni d’histoire à raconter. Sept heures de DJ, sept heures d’hospitalité... Jusqu’à la fin de la musique.

Créateurs : Caroline Dubois, Claudia Fancello et Jacob Wren
Son : Radwan Ghazi Moumneh

NOTES BIOGRAPHIQUES
Axé sur la collaboration entre artistes, le groupe interdisciplinaire PME-ART commente la société en ayant le courage d’être à la fois direct et complexe, tout en interrogeant les codes de la représentation et de la performance. Depuis presque quinze ans, PME-ART a présenté ses créations dans trente-cinq villes, que ce soit au Québec, au Canada ou à l’étranger. Lancé en 2008, le projet HOSPITALITÉ est une série de manifestations qui se tiennent dans des lieux de rendez-vous variés, cherchant à circonscrire comment des gens peuvent interagir de façon utile, critique, hospitalière et surprenante.

Le hall d’entrée du Théâtre d’Aujourd’hui se transforme en « installation dégustative » ! Faisant usage de matériaux et d’objets déjà existants dans son lieu d’accueil, mais dissimulés du regard, Prop Room Drip Drop Boom les met de l’avant en un complexe assemblage, une sorte de jardin suspendu distribuant nourriture et cocktails. Dévoilée lors de la soirée d’ouverture, l’installation sera dynamisée tout au long du festival par la présence d’artistes et de leurs créations culinaires.

Création : Dean Baldwin
Concoctions culinaires : Matthieu Rivest de Crudessence et Massimo Guerrera

NOTES BIOGRAPHIQUES
Né en Ontario, Dean Baldwin vit et travaille à Montréal et Toronto. Ses œuvres, axées sur la gastronomie, utilisent l’humour, l’art culinaire, des blagues de bar et la menuiserie pour subvertir et déformer les codes des rituels sociaux liés à l’acte de boire et de manger en compagnie d’autrui.

Amateurs de lait (et les autres), étanchez votre curiosité en goûtant à des petits échantillons de lait maternel humain ! Le bar à lait Lactation Station, une œuvre d’art performatif interactive créée et présentée par Jess Dobkin, est une dégustation publique où les participants ont l’occasion d’échantillonner de petites quantités de lait maternel, gracieuseté de nouvelles mères allaitantes de la communauté locale.

NOTES BIOGRAPHIQUES
Nommée « Meilleure artiste de performance » par NOW Magazine et Xtra Magazine, Jess Dobkin fait le tour du monde avec ses performances, ses conférences et ses ateliers, qui sont présentés dans des musées, des galeries, des théâtres et des universités internationaux.

Une production et codiffusion de Studio 303 en codiffusion avec l'Usine C

Un corset mesure le souffle d’une femme alors qu'elle revisite quelques fragments de ses écrits amoureux. Un musicien l'accompagne, parfois dérive. Ensemble, ils font état du phénomène d’aimer à travers un dispositif où le somatique, le médiatique et le numérique sont formellement attachés.

Line Nault : Direction et performance
Alexandre St-Onge : Musique et performance
Alexandre Burton : Lutherie numérique, images et interactions temps réel
Olivier Choinière : Coaching/jeu
Stéphane Gladyszewski : Objets scéniques
Linda Brunelle : Costume
Régis Guyonnet : Lumière
Samuel St-Aubin : Électronique et télémétrie
Anne Rémillard : Fabrication corset
Eric Forget : Enregistrement voix
P-O Fréchet-Martin : Assistant technique
Guillaume Arsenault : Direction technique

Livre | Attachée: l'amour de la femme amour
Mis en livre par : Daniel Canty, Janicke Morrissette et Line Nault
Avec des textes de :Olivier Choinière, Alexandre St-Onge, Alexandre Burton et Daniel Canty
Éditions : Les productions Recto-Verso

Duo pour deux hommes, Liklik Pik met l’accent sur le pouvoir animal du corps humain, suivant au passage des impulsions créatrices et des tangentes convergentes queer. Ni narratif ni abstrait, Liklik Pik évoque de façon ludique le cochon comme animal totem.

Examiner les différences et les ressemblances entre les humains et les autres animaux est un intérêt humain vieux de tout temps. Parfois sérieux et parfois ludique, George Stamos explore son intérêt pour la question en une performance interdisciplinaire où le médium n’est qu’une fraction du message.

Ces hommes sont des porcs.

Chorégraphie et direction artistique : George Stamos
Interprétation : Dany Desjardins et George Stamos
Son : Jackie Gallant et George Stamos
Vidéo : Dayna McLeod et George Stamos

NOTES BIOGRAPHIQUES
George Stamos, chorégraphe, danseur et directeur artistique, vit et travaille à Montréal. Diplômé en chorégraphie et en improvisation à The School For New Dance Development à Amsterdam, Pays-Bas, il détient vingt ans d’expérience professionnelle en danse en tant que danseur et chorégraphe. L’expérience de Stamos hors de la dance contemporaine inclut du travail en tant qu’activiste pour les droits des travailleurs du sexe et des organismes de SIDA, un travail de danseur à gogo à New York, Londres, Amsterdam et Montréal, et du bénévolat au département de thérapie occupationnelle à la Giant School for Children with Autism. George danse présentement avec Zab Maboungou / Compagnie Danse Nyata Nyata, une compagnie de danse africaine contemporaine à Montréal, et est danseur en résidence à l’Agora de la danse.

Moi. (Une salle. Une scène. Un écran. Une caméra. Un miroir. Une loge.) Toi.

« Nadège est colorée. Elle aime cuisiner sans nettoyer. Ses mélanges sont alléchants, mais un peu dangereux. Elle vous envoie la réalité au visage sans que vous ne vous y attendiez. Elle se démarque des autres, mais ne se place jamais à l’écart. Elle ressort toujours dans la foule. Il n’est pas surprenant qu’elle aime les artifices et les confettis. Elle sera rassurée de savoir que vous n’avez pas tout vu du premier coup. C’est une fille de peu de mots ; il n’est pas toujours facile de savoir quand elle rit ou quand elle pleure. Elle se demande si ce qui a bon goût a vraiment une date de péremption, si les belles filles le resteront toujours. » – Anne-Marie Proulx dans LETTRES/LETTERS, éditions MAAM, 2010

NOTES BIOGRAPHIQUES
Nadège Grebmeier Forget est artiste et commissaire d’expositions diplômée de l’UQAM en arts visuels et médiatiques en 2009. Elle vit et travail à Montréal, a un compte Facebook et flirt avec le faux, le pastiche et le kitsch, liant son imagerie à un univers purement féminin, porteur d’autofictions multidisciplinaires et boulimiques.

Ici et maintenant, de jeunes artistes prennent parole, mus par un désir commun : exprimer librement leurs voix uniques. La soirée Nous sommes ici est le seul moment à Montréal où se retrouvent, sur une même scène, ensemble, des artistes créateurs nouvellement diplômés des différentes écoles de théâtre, de danse et d’art performatif de la métropole. Ces jeunes créateurs y présentent une sélection de courtes formes de leur cru, faisant battre le OFFTA au rythme de leurs aspirations. Un marathon de créations inspirantes, pour le plaisir d’être ensemble, au bon endroit, au bon moment, et de voir se créer, en primeur, l’art vivant d’aujourd’hui et de demain.

Animation : Stéphane Crête
Avec des créations de : Khadija Baker | Emily Schon | David Albert Toth et Emily Gualtieri | Jonathan Morier | Jade Marquis | Sarah Dell'Ava | Mellissa Larivière | Simon Lacroix, Sonia Cordeau et Raphaëlle Lalande | Isabelle Boulanger

L’Institut de l’artéfact établit des installations temporaires chez articule, où son personnel offre des consultations gratuites visant à aider le public à déterminer quoi faire avec des équipements électroniques endommagés, qui fonctionnent mal ou qui sont perçus comme étant obsolètes.

Les participants sont invités à apporter de l’équipement électronique durant les heures régulières de la galerie. L'équipement peut être dans n'importe quel état ou de n'importe quel type : téléviseurs et écrans, ordinateurs et périphériques, téléphones portables et appareils portatifs, équipements audio et vidéo, appareils électroménagers, par exemple. Le personnel de l’Institut de l’artéfact examinera, analysera et évaluera l'équipement et suggérera des démarches d’entretien, de réparation ou d’élimination aux participants, qui pourront choisir de les entreprendre ou non. Ce que l’Institut de l’artéfact propose, c’est un contexte pour considérer, à partir de perspectives variées, la manière dont nous produisons, consommons, utilisons, réparons et nous débarrassons d'artéfacts technologiques.

NOTES BIOGRAPHIQUES

Tim Dallett a travaillé à titre d’artiste, de conservateur, de directeur artistique, d’auteur, de directeur de publications, de technicien et de chargé de projets pour des collectifs, des centres d’artistes autogérés, des centres d’arts médiatiques, des galeries et des organismes sans but lucratif en Ontario, en Nouvelle-Écosse, au Nouveau-Brunswick, en Saskatchewan et au Québec.Il vit à Montréal (Québec).

Adam Kelly est artiste, technicien, programmeur, chargé de cours et activiste communautaire. Il vit à Halifax (Nouvelle-Écosse). Ensemble, ils ont fondé l’Institut de l’artéfact en 2007 dans le but d’étudier et d’influencer les processus responsables des changements dans l’utilisation, la valeur et la signification des artéfacts.

« Entre nos écrans cathodiques et les bouts de nos doigts, commence à pousser un jardin inattendu.
Certains d'entre eux s'entrechoquent et, pareils aux photons électriques, se matérialisent en de petits éclairs colorés. Lancer quelques graines au milieu du jardin. On ne sait pas ce qui va pousser au printemps. »

– Extrait du blogue de création

TRACES DU PROCESSUS DE CRÉATION
www.comportementdelensemble.wordpress.com

NOTES BIOGRAPHIQUES
Massimo Guerrera est un artiste plasticien et performeur montréalais. Gérald Kurdian est un performeur, compositeur et radio-artiste français. Ils n’ont jamais travaillé ensemble et ne se connaissent pas davantage. Il ne manque pourtant qu’un trait d’union pour que se crée entre eux en un langage profondément original. Le OFFTA, entremetteur rusé, a provoqué la rencontre entre leurs deux univers. Chacun de son côté de l’océan, ils communiquent par le biais du web, créant à distance la dramaturgie d’une œuvre live en devenir. Leur rencontre est virtuelle, leur rencontre est réelle. C’est le germe d’une éclosion, un jardin en incubation. Le fruit de ce mixage orchestré par le OFFTA : un objet artistique hybride et imprévisible à découvrir ensemble.

ATTRIBUTS incarne une sorte de laboratoire où des tests sont effectués entre deux danseurs pour relever les différences et similarités qui les habitent. À la fois sérieuse dans l’intention de recueillir des données véritables, à la fois légère pour la relation conviviale qui lie les danseurs à leurs actions, cette petite expérimentation illustre la force de l’empathie ou le caractère binaire de l’être. Ou les deux.

Chorégraphie et interprétation : Raphaëlle Perreault
Cocréation et interprétation : Nicolas Labelle
Composition : Olivier Van Tassel
Conseil artistique : Laurence Fournier Campeau

NOTES BIOGRAPHIQUES
Jeune diplômée de danse contemporaine à l’UQAM (2010), Raphaëlle Perreault œuvre depuis comme chorégraphe et interprète. Interpellée par la cohabitation de la musique et de la danse sur scène, elle oriente sa démarche artistique vers l’idée de rendre visible l’audible.

Mais qui est Philippe Katerine ? Que se cache-t-il derrière cette question ? Peut-on connaître l’artiste en analysant son oeuvre ? Ou inversement, peut-on interpréter l’oeuvre d’un artiste par sa biographie ? Pourquoi éprouve-t-on la nécessité de catégoriser une oeuvre ? Pourquoi certains se sentent arnaqués face à une démarche artistique utilisant une forme simple ? Le Groupe Bec-de-Lièvre entreprendra de trouver... d’autres questions ! Parce que les réponses, on en fait vite le tour et nous, on a envie de gambader ! Sur la table de ce laboratoire: les chansons de Katerine bien sûr, mais aussi ses interviews et son journal graphique.

Mise en scène : Catherine Vidal
Collectif de créateurs : Belinda Campbell, Renaud Lacelle-Bourdon, Simon Lacroix, David Lafrance, Ève Landry, Olivier Morin, Francis Rossignol et Christian E. Roy
Éclairages : Martin Sirois

NOTES BIOGRAPHIQUES
Le Groupe Bec-de-Lièvre est une compagnie dirigée par la metteure en scène et comédienne Catherine Vidal et compte parmi ses collaborateurs Renaud Lacelle-Bourdon, Olivier Morin, Alexandre Pilon-Guay et Francis Rossignol. Le terrain de recherche de la compagnie se compose de tous matériaux textuels qui ne soient pas à priori destinés à la scène. Connu pour son adaptation du roman d’Agota Kristof Le grand cahier, le Groupe Bec-de-Lièvre utilisera cette fois comme forme d’écriture non dramatique la chanson, le journal intime et l’interview.

* La représentation du 29 mai est suivie de l’activité activité Impersonating Game. Ce jeu invite trois membres du public présélectionnés à monter sur scène après le spectacle et à incarner le créateur. Le véritable créateur prend alors le rôle d'animateur et pose une série de questions aux joueurs qui répondent comme s’ils étaient l’artiste, mettant ainsi à jour les différentes perceptions et interprétations de l’œuvre.

The Squirrel and the Mirror est une pièce solo fragmentée et décousue, comme un débordement de l'esprit. On pénètre dans l'univers d'un personnage qui vacille dans un espace incertain. Il y règne un silence de mort, des bruits étranges et de bizarres rituels. Un sentiment d’angoisse s’en dégage. C’est l’instinct qui se dresse devant notre finitude. Le corps qui s’éveille face au choc du présent, avec un acharnement qui évoque la beauté tragique d’un opéra italien, mais aussi une chute dans la résignation, le cynisme.

NOTES BIOGRAPHIQUES
Amélie Rajotte détient un diplôme d’Études chorégraphiques en danse contemporaine du Conservatoire National de Grenoble où elle reçoit une formation axée à la fois sur l’interprétation et la création pluridisciplinaire. Tout en effectuant un Diplôme d’État de professeur de danse au Cefedem de Rouen, elle participe à plusieurs projets chorégraphiques et pluridisciplinaires. Depuis 2006, elle enseigne la danse contemporaine à Montréal tout en poursuivant sa carrière d’interprète et de chorégraphe. En 2009, elle présente au Studio 303 les pièces In Fact, I'm Gross et Tenir debout. Depuis 2010, Amélie travaille comme interprète avec la compagnie PPS Danse et elle est membre cofondateur de Lorganisme. Sa dernière création The Squirrel and the Mirror a été présentée par Tangente au Monument-National en octobre 2011.

Créé avec le soutien du Centre de création O'Vertigo, du Centre chorégraphique Circuit-Est, du Studio 303, de Ballet Divertimento et de Lorganisme

Dom Juan entre en scène.

Ses tout premiers mots bafouent Molière et son Festin de pierre, une sténographe les retranscrit live sur la page Twitter de Dom Juan et ce premier tweet transgresse le mode dramatique de l’art théâtral. Ainsi est amorcée la course effrénée du désir d’un homme.

Ce qu’il y a d’uncensored dans Dom Juan, ce n’est encore rien de cela.

Texte original : Molière
Mise en scène et adaptation : Marc Beaupré
Interprétation : David Giguère, Iannicko N’Doua, Geneviève Boivin-Roussy, Guillaume Tellier, René-Daniel Dubois et Rachel Duston Sauvé
Ingénierie logicielle : Maxime Fafard

NOTES BIOGRAPHIQUES
Terre des Hommes a été fondé par Marc Beaupré, François Blouin et Guillaume Tellier. La compagnie a présenté son tout premier spectacle, Le silence de la mer, de Vercors, le 26 février 2008 à La Chapelle à Montréal. Un second spectacle, Caligula_remix, d’après Albert Camus, a aussi été présenté à La Chapelle en 2010, puis repris en 2012 au Gésu dans le cadre de Montréal en Lumière ainsi qu’en France aux festivals EXIT de Créteil et VIA de Mons/Maubeuge.

* La performance du 31 mai est suivie d’une activité Hors d’œuvre : Au sortir de la représentation, une série d’ingrédients secrets attendront l’artiste et le dramaturg berlinois Peter Stamer, les invitant à préparer ensemble un en-cas tout en discutant de la création. Leur concoction sera ensuite partagée avec le public qui sera invité à prendre part à la conversation.

Dès lors qu’on publie un moment de notre vie sur YouTube, peut-on dire que c’est un spectacle ? Sommes-nous tous des artistes potentiels quand nous nous exprimons sur les espaces virtuels ? Au final, qu’est-ce qui laissera une empreinte et forgera une mémoire collective ? Est-ce l’empreinte individuelle qui régit tout, désormais ?

Hommage en direct à ces rencontres hasardeuses que nous faisons dans les méandres d’Internet, iShow est un spectacle impressionniste, fragmenté, sans fiction apparente ni personnage, qui transpose et permute les notions de voyeurisme et d’exhibitionnisme. Est-ce possible de transcender la machine et d’en extraire un réel et sincère contact, une humanité au delà des fils, des pixels et des lumens.

Et si un inconnu devenait, en direct depuis le web, l’acteur principal d’un spectacle s’efforçant à déployer, avec tous les moyens à notre disposition, notre ardent besoin de communiquer ?

...Et si la véritable vedette de ce iShow se révélait plutôt être le public ?

Cellule dramaturgique : Sarah Berthiaume, Édith Patenaude, Gilles Poulin-Denis
Cellule mise en scène : Philippe Cyr, Laurence Dauphinais, Maxime Carbonneau
Cellule scénographie : Patrice Charbonneau-Brunelle
Cellule interprétation : Émile Beaudry, François Édouard Bernier, Sarah Berthiaume, Maxime Carbonneau, Patrice Charbonneau-Brunelle, Nathaly Charette, Philippe Cyr, Laurence Dauphinais, Dominique Leclerc, Émilie Leclerc, Chanda Legroulx, Édith Patenaude, Gilles Poulin-Denis, Audrey Talbot et des invités spéciaux
Consultant technique : Vincent de Repentigny
Soutien technique : Hugo B.Lefort
Éclairages : Marie-Ève Pageau
Consultant sonore : Ian Hatwick

NOTES BIOGRAPHIQUES
Les Petites Cellules Chaudes sont 17 artistes, d’abord réunis à l’occasion d’un laboratoire de création donné par Claude Poissant au CNA, ayant ensuite poursuivi l’expérimentation. Ils forment des cellules dramaturgiques, scénographiques, ou encore de mise en scène et d’interprétation, pour créer une somme dépassant chacune de ses unités.

Ceci est un tendre récit de science-fiction à propos de trois amis prisonniers dans le cosmos, attendant que le futur se présente. Ils racontent des histoires, chantent des chansons, se passent des petits mots et tentent de répondre à des questions à propos du communisme, des barres de chocolat et des fêtes. De la danse, du lip-sync et de la beauté tranquille remplissent l’espace. Perhaps in a Hundred Years prend comme mission de garder le futur lumineux ou, du moins, rempli d’un espoir aussi doux que militant. Une performance à la croisée du show rock et du confessionnal, du talk-show et du théâtre.

Conception : Jacob Zimmer
Création et performance : Chad Dembski, Ame Henderson et Jacob Zimmer
En collaboration avec : Kilby Smith-McGregor

NOTES BIOGRAPHIQUES
Small Wooden Shoe est une compagnie de théâtre (surtout) torontoise, fondée en 2001, qui s’engage de manière curieuse et critique, tout en préservant le besoin de divertir. Ses créations ne se limitent pas à un seul style et incluent de l’agit-prop politique, de la radio en direct, des adaptations et productions d’œuvres classiques, des lectures publiques spontanées, mais aussi le formalisme conversationnel dont elle a fait sa marque. Ame Henderson est une chorégraphe, diplômée de Concordia, dont le travail est régulièrement présenté à Montréal (FTA, l’Agora de la danse). Elle vit à Toronto, où elle est directrice artistique de Public Recordings, un atelier d'expérimentation chorégraphique. Chad Dembski est directeur artistique de surprise performance, une compagnie montréalaise de performance multidisciplinaire. Jacob Zimmer, directeur artistique de Small Wooden Shoe, est un metteur en scène, auteur, dramaturge et performeur torontois dont le travail est présenté à travers le Canada. Il était également de l’équipe de création de It’s about time de Dancemakers, œuvre chaleureusement accueillie à Montréal la saison dernière (Agora de la danse). Le travail de ces trois créateurs se croise régulièrement par des collaborations... pour notre plus grand bonheur.

Le toucher le plus intime l’est-il vraiment ?
Quelle est la distance minimale entre deux personnes ?
Et si on l’atteint, aura-t-on mal ?
La survie de l’intimité et de la solitude dans un univers où rien ne va.
Échec, écroulement, épuisement.
Quand la situation change de l’extrêmement absurde au douloureusement réel, et vice versa, qui survivra aux conséquences du désir ? Quelle est la logique du dégoût ?

Idée originale : Jana Jevtovic
Création collective et performance : Jody Hegel, Jana Jevtovic et Živka
Dramaturgie : Rok Vevar
Texte : Jovana Rakić-Kiselčić, Ashlea Watkin et Jana Jevtovic

NOTES BIOGRAPHIQUES
Chorégraphe et interprète, Jana Jevtovic centre sa recherche chorégraphique sur le développement d’une méthodologie de la création performative et questionne les modes de production comme manière de reformuler la relation entre les oeuvres d’art et les procédures artistiques. Jana est membre fondateur du projet NOMAD à Belgrade, Serbie. Elle vit et travaille entre Montréal et l’Europe.

Ma vie a un petit arrière-goût de confusion. Je ne suis pas ce que je présente au monde. Ce que je veux dire n’a pas de commune mesure avec ce qui sort de ma bouche. Je surveille mes commentaires, je retiens mes gestes, je ne me lance pas spontanément sur l’objet de mon désir et mon corps ne se liquéfie pas lorsque j’essuie l’échec. Je me contiens. Je demeure droit. Souriant. Social. J’ai ma fierté. Mais en dessous, je suis une zone ambiguë et floue, je suis tout et son contraire. Je suis végétal, animal, matière en devenir. Je suis un autre.

Je suis un autre cherche à mettre à jour la multiplicité et l’ambiguïté de l’être qui se cachent sous le vernis des conventions.

Chorégraphe : Catherine Gaudet
Danseurs : Dany Desjardins et Caroline Gravel
Conception et composition musicale : Jacques Poulin-Denis
Éclairages : Frédérick Gravel
Conseillère artistique et répétitrice : Sophie Michaud

NOTES BIOGRAPHIQUES
Catherine Gaudet a complété un baccalauréat et une maîtrise en danse contemporaine à l’Université du Québec à Montréal. Elle a d’abord travaillé en tant qu’interprète avec divers chorégraphes avant de s’engager dans une recherche chorégraphique personnelle en 2004. Elle crée, entre autres, les pièces Grosse fatigue (2005), L’Arnaque (2006), Alex Lalune (2007), Sourire forcé (2009), L’invasion du vide (2009) et Je suis un autre (2012), présentées à Montréal et au Danemark. En 2008, elle participe au Aarhus International Choreography Competition au centre chorégraphique Archauz, Danemark, où elle remporte le second prix. Elle fut récipiendaire, en 2010, du Prix David-Kilburn de la Fondation de l'UQAM, attribué à un jeune chorégraphe. En 2010 et 2011, elle profite d’une résidence de création à La Bellone, Bruxelles, ainsi qu’à la Tanzwerkstatt, Berlin. Catherine est aussi membre de la maison de production en danse contemporaine La 2e Porte à Gauche et de Lorganisme.

* La performance du 1er juin est suivie de l’activité Hors d’œuvre : Au sortir de la représentation, une série d’ingrédients secrets attendront l’artiste et le dramaturg berlinois Peter Stamer, les invitant à préparer ensemble un en-cas tout en discutant de la création. Leur concoction sera ensuite partagée avec le public qui sera invité à prendre part à la conversation.

critique par l'équipe de MonTheatre

L’artiste touche-à-tout Roland Shön s’amène à Montréal avec sa compagnie Théâtrenciel pour nous raconter une histoire toute simple, mais de fantasque façon.

Un espace nu et restreint par un carré de lumière blanche, deux danseurs, les répercussions engendrées par les sensations instinctives laissées libres dans leur corps. Voilà ce qui apparaît d’abord dans la nouvelle proposition scénique de Catherine Gaudet. Plus le spectacle avance, plus les tensions se dessinent tout en donnant un ton humoristique à la tournure des événements, grâce à la théâtralité maîtrisée à merveille par les danseurs Catherine Gravel et Dany Desjardins.

Les images sont fortes, restent après la représentation, poursuivent leur chemin, tant Je suis un autre fait appel à ce qui se cache, ce qu’on ne peut se permettre d’exposer en société. Sur scène, aucun lissage, ce qu’il y a de plus brute dans le contact des corps, tout en ayant du charme dans le phrasé de la chorégraphe Catherine Gaudet.

La chorégraphe a bénéficié d’une résidence de création à Berlin en 2011 pour réaliser Je suis un autre, en plus de travailler avec les deux mêmes interprètes pour son mémoire de maîtrise, complété en janvier dernier, dont les balbutiements du spectacle ont pris forme. La recherche de Gaudet aura ouvert les voies à une création rare, investie, troublante, captivante, précise techniquement tout en laissant respirer enfin les corps, le regard des interprètes plongés dans le flou.

L’œuvre réserve des surprises à chaque séquence et il vaut mieux réserver au futur spectateur le bonheur de les découvrir que de trop en dire. Une ode au senti, à la transformation des corps qui sort des sentiers battus, du conformisme ambiant.

« Cinq lapins affamés sont gardés en cage. On place une échelle avec une carotte au-dessus. Le lapin qui réussit à manger la carotte est peint de rouge. Les autres sont aspergés d'eau glacée. Après quelques jours, les lapins blancs se mettent à attaquer le lapin rouge. On arrête la punition. Le processus continue. Les lapins attaquent toujours. On enlève graduellement les lapins qui ont vécu la punition les remplaçant par d'autres. Les lapins attaquent toujours. On soustrait finalement la carotte. Les lapins blancs attaquent toujours le lapin rouge. »

Lapin blanc, lapin rouge est un solo de l'auteur iranien Nassim Soleimanpour. Chaque représentation est défendue par un interprète différent qui prend connaissance du texte devant le public. La réalité de l'auteur s'incarne donc à travers le vertige de ce comédien ou cette comédienne. Peu à peu, l'absence de l'auteur devient le personnage principal de la représentation.

Texte : Nassim Soleimanpour
Traduction : Paul Lefebvre
Mise en scène : Philippe Ducros et Mani Soleymanlou
Éclairage : Thomas Godefroid
Assistance à la mise en scène et direction de production : Catherine La Frenière
Interprétation : À déterminer

NOTES BIOGRAPHIQUES

Hôtel-Motel offre des chambres à louer avec vue sur le monde, tous services inclus. Lits en forme de coeur, TV couleur, circuit fermé, verres stérilisés, piscine chauffée, suite climatisée. Disponible à l’heure, à la nuit, à l’année. Pour une maison loin de la maison, venez-nous visiter ! Vacancy.

Orange Noyée se trouve au rez-de-chaussée, ouvert 7 jours semaine, 24h par jour. Avec l’idée « que nous sommes submergé par notre époque » à la base du menu, ce restaurant, et son chef Mani Soleymanlou, offrent des spécialités issues des quatre coins du monde. Avec un menu riche en saveur, délicat et subtil, chaque plat est un délice pour les yeux, le ventre et l’esprit. Veuillez réserver d’avance.

* La performance du 2 juin est suivie d’une activité Hors d’œuvre : Au sortir de la représentation, une série d’ingrédients secrets attendront l’artiste et le dramaturg berlinois Peter Stamer, les invitant à préparer ensemble un en-cas tout en discutant de la création. Leur concoction sera ensuite partagée avec le public qui sera invité à prendre part à la conversation.

Voici l’Odyssé(e) poétique d’une fille dont les seins diminuent de plus en plus et qui recherchera, pour le reste de sa vie, le même étranger roux. Un cha-cha-cha métaphysique entre le corps rêvé et le corps donné.

Si nos gestes ne sont qu’emprunts, mourons-nous aussi par imitation ? Et au final, est-ce que tous ces gestes ne parviendraient pas, malgré nous, à conditionner notre aspect physique, voire même à le renverser ?

En gros, une épopé(e) grinçante, mystique et syncopée sur les airs de Nana Mouskouri.

Texte et mise en scène : Dany Boudreault
Avec : Dany Boudreault, Philippe Brault, Robin-Joël Cool et Marie-Pier Labrecque
Musique : Philippe Brault
Éclairages : Erwann Bernard
Scénographie : Patrice Charbonneau-Brunelle
Dramaturgie : Alice Ronfard
Assistance à la mise en scène et régie : Catherine La Frenière

NOTES BIOGRAPHIQUES
Acteur de formation (École nationale de théâtre du Canada, 2008), mais aussi poète, Dany Boudreault écrit une poésie qui s’incarne, s’habite et se dit.

* La performance du 2 juin est suivie d’une activité Impersonating Game : Ce jeu invite trois membres du public présélectionnés à monter sur scène après le spectacle et à incarner le créateur. Le véritable créateur prend alors le rôle d'animateur et pose une série de questions aux joueurs qui répondent comme s’ils étaient l’artiste, mettant ainsi à jour les différentes perceptions et interprétations de l’œuvre.

Des petites actions, des petites danses et des chansons d’amour. 1999 est le modèle réduit lo-fi d’un monde surdimensionné, qui prend appui à la fois sur les 48 épisodes de la télésérie Cosmos 1999 et sur les réalités l’industrie musicale vécues par Gérald Kurdian à travers son projet THIS IS THE HELLO MONSTER ! Venez vibrer avec Gérald Kurdian, alors que le Prop Room Drip Drop Boom s’animera pour une dernière fois, question de bien clore les festivités !